Questo sistema si incentra sull’importanza del corpo dell’attore nel processo creativo. Una volta conquistato il controllo e la coscienza del proprio corpo e delle sue dinamiche, l’allievo scoprirà il movimento ed il ritmo all’interno di ogni azione scenica; la sua fantasia ed immaginazione saranno costantemente stimolate ed egli arriverà a saper gestire la propria trama creativa e a rendere ogni gesto capace di catturare i sensi dello spettatore.

Quello che molti non sanno è che il debito che Meyerchold ha nei confronti della Commedia dell’Arte è enorme e che la sua biomeccanica teatrale è stata in gran parte ispirata dal teatro degli zanni e di piazza. Non è una coincidenza che uno dei primi personaggi recitati da Meyerchold sia stato Pierrot e che fra i suoi primi spettacoli ci siano titoli come “L’amore delle tre melarance”, “Arlecchino paraninfo” e “La sciarpa di Colombina”.

Questi sono alcuni degli elementi attorali fondanti per Meyerchold che affronteremo:

• La creazione e la presenza di un emozione teatrale e non di una motivazione psicologica.
• Acquisire delle qualità acrobatiche che richiedono all’attore senso del peso e equilibrio.
• La rapidità di reazione e capacità di rispondere prontamente agli stimoli della scena.
• L’orientamento nello spazio e coordinazione dei movimenti nello spazio.
• Il senso della forma e del disegno dell’azione scenica.
• La capacità di trasmettere chiaramente le intenzioni e le iniziative dell’azione scenica e di seguire quelle del partner
• Il senso della misura e della composizione ritmica e musicale.
• La necessità trovare un andatura scenica complessa e articolata che abbia nei piedi la sua sorgente dinamica.

Durante il corso l’allievo affronterà un allenamento psico-fisico specifico che gli permetterà di entrare in un processo costante di lavoro su se stesso. Questo allenamento svilupperà nell’allievo la capacità di pensare agendo e la coscienza di sé nel tempo e nello spazio, permettendogli così di svolgere compiti sempre più complessi e precisi, e di gestire la propria recitazione in modo sintetico ed organico.

Qual è la differenza tra un buon attore e un grande attore? Si trova da qualche parte tra abbandono, fascino e precisione. In questo workshop andremo al cuore della performance attraverso l’uso di maschere di diverso genere: mezze maschere, maschere integrali e maschere parziali (nasi, occhiali, cappelli, ecc.) ma soprattutto usando lo strumento delle trance mask, potente strumento teatrale che si rifà a esperienze tribali di trance, abbandono e possessione. Scopriremo come abbandonarci completamente, guardarci allo specchio e lasciare che “la bestia nello specchio” cominci ad agire autonomamente.

Costruire ed esplorare i caratteri a partire dal nostro spirito animale. Un lavoro in cui metteremo al bando il cervello per far lavorare il corpo e lo stomaco. Respira, immobilizzati, muoviti, suda, grida, trova l’istinto animale dentro di te. Muoviti in branco, scopri chi è il più debole, senti, ascolta e liberati. In questo workshop non ci limiteremo a prendere ispirazione dagli animali per costruire personaggi umani, ma cercheremo l’animale vero. Terrestre, marino, volatile, sotterraneo, minuscolo o gigante. Solo alla fine porteremo i suoi istinti dentro il predatore definitivo, l’uomo.

Il mondo degli animali è grande, molto grande. Arriveremo a giocare con la loro complessa vita immaginando una soap opera recitata da gatti, 12 anni schiavo in un mondo di cani e un Game of Thrones in cui tutti i personaggi sono scimmie. Entra nel mondo degli animali, scopri il tuo animale interiore e lascialo vivere sul palco: sarai sopreso da quanto profonda sarà questa esperienza e da quanto spessore darà ai tutti i tuoi personaggi umani.

• La prima parte del workshop comprende un viaggio di scoperta di sé stessi in modo organico, cercando di riscoprire il mondo e il corpo in tutti gli stadi possibili, da organismo unicellulare ad anfibio a mammifero, cercheremo di capire quali sono gli animali con cui abbiamo più cose in comune e quali energie creative possiamo trarre da questa scoperta. Useremo esercizi sviluppati da Pina Bausch, Jerzy Grotowski, Konstantin Stanislawsky, Mihail Chechov e Viola Spolin.
• Nella seconda parte utilizzeremo quanto scoperto per mettere in scena personaggi intimi, profondi e realistici, tipici della scuola slava di recitazione, senza perdere la giocosità acquisita.

Chi siamo all’interno di una società? Come ci vedono gli altri? Che strategie mettiamo in atto per essere (non solo apparire) ciò che vogliamo che di noi si riconosca? Ogni giorno, in ogni istante della nostra vita sociale utilizziamo maschere che corrispondono a ruoli definiti e ai quali cerchiamo di attenerci. Quanto siamo capaci di riconoscere le maschere che ci circondano? Probabilmente non è un caso che la parola “persona”, nel suo significato originale, volesse dire maschera. Questo implica il fatto che ognuno sempre e dappertutto, più o meno coscientemente, impersona una parte… È in questi ruoli che ci conosciamo gli uni e gli altri; è in questi ruoli che conosciamo noi stessi.

Nel breve periodo di un fine settimana andremo alla scoperta delle nostre maschere del quotidiano, delle regole di condotta che definiscono il nostro agire in società cercando di comprendere quali sono i meccanismi che generano la visione di noi stessi verso l’altro. E lo faremo nella forma giocosa e gioiosa del teatro di maschera, proprio alla nostra tradizione: dalla maschera “di carattere” alla maschera “umana” fino alla maschera della Commedia dell’Arte. Un viaggio archetipale in cui scopriremo come la maschera, in realtà, sveli e non nasconda. Partendo dalla visione del mondo grottesco e deformato della maschera popolare sveleremo i meccanismi del nostro agire quotidiano.

In questo laboratorio alleneremo l’attore che è in noi attraverso l’uso di motori, ritmi, vettori e livelli di energia. Utilizzando la maschera come mezzo per svelare, anziché coprire, impareremo a scoprire corpi carnevaleschi che rivelano personaggi universali che attingono all’immaginario umano e animale e a giocare il contrasto tra i personaggi per ottenere effetti comici o drammatici.

Ci sono molti metodi di approccio al clown: in questo workshop lo considereremo come la maschera minima e quindi useremo molti aspetti della pedagocia di Lecoq: contatto, articolazione del movimento, livelli di energia, respiro. Verranno analizzate le dinamiche del movimento di ogni partecipante: il ritmo, i gesti abituali, i temi espressivi inerenti al suo modo di essere e alla sua presenza fisica. Tutto ciò porterà ad un aumento della consapevolezza che naturalmente aiuterà l’ingresso in uno stato mentale clownesco a partire dal quale sarà più facile non solo recitare, ma anche scrivere numeri comici.

La comicità nasce dall’imperfezione, dal difetto, dalla fragilità. La comicità dev’essere istintiva, moderna, scaturire dalle emozioni del personaggio. In questo stage Rita Pelusio ci condurrà in un percorso di scoperta del nostro talento comico attraverso tutte le esperienze che ha vissuto come insegnante, attrice e regista e attraverso le esperienze che il gruppo avrà vissuto negli stage precedenti. L’obiettivo è arrivare a sentire dentro di sé la comicità del personaggio per poi applicarla dove meglio si crede: teatro, cabaret, clown, improvvisazione o commedia.

Questo workshop introduce l’attore a questa unica tecnica attoriale che prevede un livello altissimo di intensità emotiva e di autenticità per dare fuoco alla passione dell’attore e liberarlo da ogni limite. Il percorso lavora ance sulla reattività e sulla capacità di ascoltare i partner in scena reagendo con incontenibile impeto creativo ed emotivo.

Si lavorerà in particolare sui seguenti temi:

• Farsi investire da stati emotivi estremi di terrore, euforia, furia e disperazione
• Fare scelte forti sui personaggi in grado di trasformarci completamente
• Il triangolo del personaggio, una tecnica unica sviluppata da Superdrama per creare personaggi estremi eppure intimi e realistici
• Il principio del JO-HA-KYU, identificato dal grande maestro di Teatro No giapponese, Zeami, che porta a trovare il ritmo ideale di ogni azione teatrale.